Si vous avez déjà assisté à des répétitions de groupes de musique, vous avez probablement remarqué que les musiciens ont leur propre langage. Cela peut sembler intimidant pour un novice qui aimerait intégrer un groupe pour la première fois. Dans cet article, nous allons vous familiariser avec le jargon des musiciens, un monde lexical à part entière, afin que vous puissiez vous sentir à l’aise et comprendre ce qui se passe lorsque vous jouez en groupe. Apprenez-en davantage sur les terminologies techniques, les métaphores et les abréviations courantes et découvrez le top 10 des termes incontournables pour impressionner vos futurs coéquipiers musicaux.
Le jargon des musiciens : un monde lexical à part
Terminologie technique : de quoi parle-t-on ?
La musique, tout comme tout autre domaine spécialisé, possède son propre ensemble de terminologies techniques. Pour les nouveaux venus, comprendre ces termes est essentiel pour s’intégrer et participer activement aux discussions. Les termes techniques peuvent couvrir des aspects allant de l’accordage d’instruments à la construction de morceaux ou encore au jargon technique lié à la production musicale. La clarification de ces termes est utile pour une compréhension et une communication meilleures au sein du groupe.
Lorsqu’un musicien parle de “modes” ou de “gammes”, il fait référence à des concepts fondamentaux de la théorie musicale. De même, les termes comme “amplification”, “mixage” et “égalisation” sont souvent utilisés lors des sessions d’enregistrement ou de performances en direct, nécessitant une compréhension technique des équipements utilisés. Prendre le temps de comprendre ces termes vous permettra de participer à des discussions avec davantage d’assurance.
Les métaphores et abréviations : le quotidien des musiciens
Au-delà du jargon technique, les musiciens utilisent souvent des métaphores et des abréviations pour faciliter la communication. Par exemple, ils peuvent parler de “mettre le feu” en signifiant jouer avec intensité ou enthousiasme. D’autres expressions comme “se caler sur le groove” signifient jouer de manière synchronisée avec la section rythmique.
Les abréviations, bien que souvent trompeuses pour les non-initiés, sont fréquemment employées dans les répètes. Des termes comme “AABA” sont utilisés pour décrire la structure d’une composition. Être attentif à ces métaphores et abréviations et comprendre leur signification cachée est une compétence précieuse pour tout musicien aspirant à rejoindre un groupe.
Le top 10 des termes de musiciens à connaître pour intégrer un groupe
“Jammer”
Dans le monde de la musique, “jammer” signifie improviser de manière informelle avec d’autres musiciens. C’est une pratique standard pour explorer de nouvelles idées musicales et développer votre sens de la communication musicale. En intégrant des sessions de “jam”, vous pouvez apprendre à mieux répondre aux autres musiciens et améliorer vos compétences en improvisation.
Un “jam” peut permettre à des musiciens aux influences diverses de collaborer et d’explorer des genres variés. Pour un musicien débutant ou nouvellement introduit dans un groupe, participer à une session de “jam” est une excellente façon de s’intégrer. Cela vous permet de montrer votre flexibilité et votre capacité à suivre le rythme du groupe.
“Riff”
Un “riff” est une courte phrase musicale répétée dans une chanson. Souvent accrocheur et mémorable, le “riff” peut être le motif principal autour duquel un morceau est construit. Dans les genres comme le rock ou le blues, les riffs servent souvent de signature auditive qui radicalise le morceau.
Connaître et créer de bons riffs est essentiel pour apporter une contribution significative à la dynamique d’un groupe. Travailler sur vos capacités à composer et interpréter des riffs peut vous aider à devenir un membre indispensable de votre futur groupe.
“Groove”
Le “groove” est un terme qui désigne le ressenti rythmique d’une chanson. Il s’agit de l’ensemble des interactions entre les instruments qui créent le mouvement et l’énergie d’une pièce musicale. Un bon “groove” capture l’auditeur et donne envie de bouger.
Dans un groupe, comprendre et s’intégrer dans le “groove” existant est crucial. Cela demande de prêter attention aux nuances rythmiques et de collaborer étroitement avec d’autres membres, surtout ceux de la section rythmique, pour créer une harmonie fluide.
“Cover”
En musique, “cover” est un terme utilisé pour désigner la reprise d’une chanson originale par un autre artiste ou groupe. Les covers peuvent être interprétées fidèlement ou ré-imaginées de nouvelles manières. C’est une pratique courante pour comprendre et s’approprier divers styles.
Participer activement à créer des covers montre votre capacité à jouer en groupe et à respecter des compositions existantes. Cela peut aussi servir d’exercice pour améliorer vos compétences, tester votre dextérité sur votre instrument ou introduire votre groupe à un répertoire déjà populaire.
“Setlist”
La “setlist” est la liste des morceaux qu’un groupe prévoit de jouer lors d’un concert ou d’un événement spécifique. Elle organise l’ordre des chansons à jouer en tenant compte de l’énergie du public et des dynamiques de performance.
La maîtrise de l’art de composer une setlist appropriée est cruciale pour captiver un public et maintenir la cohérence d’une performance. S’engager dans ces choix peut vous accorder davantage de responsabilités au sein de votre groupe et vous aider à développer des compétences en gestion de performances live.
“Soundcheck”
Un “soundcheck” est une vérification audio effectuée par les musiciens et les ingénieurs du son avant une performance live. Il permet de s’assurer que tous les instruments et les voix sont correctement amplifiés et que le mix audio est équilibré.
Assister à un soundcheck est primordial pour créer une bonne prestation publique. C’est l’occasion de régler les détails techniques et éventuellement de repéter encore un morceau mal maîtrisé, vous permettant ainsi de gagner en assurance pour le concert à venir.
“Backline”
Le “backline” désigne généralement les équipements instrumentaux situés à l’arrière de la scène, comme les amplificateurs, les batteries et autres équipements nécessaires lors d’un concert. Un bon backline garantit une performance sur scène sans accroc logistique.
La compréhension et la gestion du backline sont essentielles pour éviter les problèmes techniques pendant le spectacle. Cela permet aussi de minimiser les temps d’attente entre les sets et de garantir que tous les musiciens disposent des instruments dont ils ont besoin.
“Rider technique”
Un “rider technique” est un document qui indique toutes les exigences techniques requises pour assurer le bon déroulement d’un concert. Ce document inclut souvent les spécifications de sonorisation, les besoins spéciaux en lumière, ainsi que les arrangements de scène.
Apprendre à rédiger ou lire un rider technique est une compétence précieuse et souvent attendue des professionnels de la musique. Cela garantit que votre groupe sera traité avec sérieux par les organisateurs et permet de réaliser des prestations de manière fluide et professionnelle.
“Gig”
Le terme “gig” est un mot lié à la musique pour désigner un concert ou une séance de performance. Pour chaque musicien, décrocher un gig représente une validation de leurs compétences et une opportunité de jouer devant un public.
Participer à de nombreux gigs est un excellent moyen de gagner de l’expérience scénique et d’acquérir une certaine notoriété dans le milieu musical. Autant pour développer son réseau de contacts que pour peaufiner ses compétences live, les gigs sont une étape essentielle dans la carrière de tout musicien.
“Break” ou “Solo”
Un “break” ou “solo” est la partie d’une chanson où un musicien joue seul, souvent de manière improvisée, avant de rejoindre le reste du groupe. C’est l’occasion de mettre en valeur son talent individuel et son interprétation personnelle du morceau.
La capacité à livrer un solo convaincant ou à exploiter les moments de break montre votre talent individuel au sein d’un groupe. Travailler vos solos et breaks est crucial pour perfectionner votre jeu instrumentiste et vous imposer en tant que musicien confiant et compétent.
Prochaines étapes
| Concept | Description |
|---|---|
| Jargon musical | Comprendre le langage technique et les abréviations dans la musique. |
| Jammer | Apprendre à improviser et interagir spontanément avec d’autres musiciens. |
| Riff et Groove | Maîtriser les éléments musicaux répétitifs et les rythmes entraînants. |
| Cover et Setlist | Développer des compétences en reprise de chansons et en préparation de concerts. |
| Soundcheck et Backline | Assurer l’équilibre sonore et la préparation des équipements techniques. |
| Rider technique et Gig | Établir des conditions techniques précises et acquérir de l’expérience scénique. |
| Break/Solo | Exploiter les moments de mise en valeur individuelle dans les performances. |
